Feliz navidad

Un repaso rápido para todo lo que teneis que tener en cuenta en estas fiestas no se os vaya a olvidar. Felices fiestas y a disfrutarlas como se merece.

Zapping navideño II

Llegan de nuevo las navidades y con ello los más pequeños viven desde sus casas la ilusión de estas fiestas, las familias se reúnen y en definitiva todo el mundo intenta disfrutar a su manera de unos días distintos. Desde aquí a parte de felicitaros las fiestas se pretende de nuevo, cinematográficamente hablando, aportar un granito de arena para que estas fiestas sean lo más navideñas posibles y para ello otro zapping navideño.

De ilusión también se vive (1947) – Todo un clásico navideño en donde un anciano que encarna a Santa Claus para unos grandes almacenes desconcierta a todo el mundo al afirmar vehementemente que es el propio Papa Noel.

Los fantasmas atacan al jefe (1988) – Adaptación a la época del famoso cuento de navidad de Dickens. Esta vez ambientado en unos grandes almacenes regentados por un déspota y tacaño presidente al que unos fantasmas le harán ver el verdadero significado de la navidad.

Solo en casa (1990) – Conocidísima historia que inició la precoz y efímera fama de Macauly Culkin. Un decidido y travieso niño que por un despiste se queda solo por navidades. Situación que decidirán aprovechar un par de torpes ladrones para hacer su propia navidad, pero poco desconfiarían que lo que parecía un indefenso niño y una víctima fácil para sus atropellos los pondrá en un serie de apuros insospechados.

Un padre en apuros (1996) – Todo un icono del cine de acción como Arnold Schwarzenegger, se ve atrapado en un frenética carrera por todas la tiendas de Nueva York a fin de encontrar el juguete de moda para su hijo. El problema es que ese juguete es el anhelo de prácticamente todos los padres y madres de la ciudad, que harán lo imposible por hacerse con las últimas unidades.

Jack Frost (1998) – Curiosa historia de redención navideña y es que un padre completamente volcado en su trabajo pierde prácticamente la relación con su hijo hasta que un fatal accidente los acerca de nuevo, aunque de la manera más insospechada: reencarnado en un muñeco de nieve.

Family man (2000) – Un frío hombre de negocios se levantará unas navidades llevando una vida totalmente distinta a la que estaba acostumbrado. Como por arte de magia vive ahogado con un mísero trabajo, pero lo que en un principio parecía una pesadilla le va haciendo tomar conciencia de las cosas que verdaderamente importan en la vida y que ya parecía tener olvidadas.

Love actually (2003) – Londres se engalana en navidad para dar cabida a esta serie de historias cruzadas que pretenden ensalzar un sentimiento tan universal como el amor.

Una navidad de locos (2004) – Tras haber quedado “liberados” por primera vez de su hija adolescente un matrimonio decide saltarse la rutina, paralizar las navidades e irse de vacaciones. La repentina vuelta de la joven dará al traste con sus planes y les hará programar un frenética vuelta a los hábitos navideños.

 

Un vecino con pocas luces (2006) – Una hilarante guerra entre vecinos entre un empalagoso amante de la navidad y un hastiado vendedor que se las verán por convivir estas fiestas cada uno a su manera.

Como en casa en ningún sitio (2008) – Comedia romántica sobre el tema navideño y es que lejos de huir de la navidad como pretendían un joven pareja se ven abocados a todo un maratón de reuniones familiares, que incluso ponen en peligro la hasta entonces sólida relación de pareja.

 Sin ganas de alargarme más felices fiestas a todo el que se acerque por aquí en estas fechas.

 

Buceando por la red: Women in film

Si con anterioridad nos deleitamos con un repaso cinematográfico a través de una especie de evolución en los actores más destacados de Hollywood durante su larga historia es hora de que nos pongamos al día también con las féminas. Aquí os dejo Women in film

Hitchcock en Hollywood (años 60)

Con una carrera más que consolidada tras dos décadas en suelo americano los años sesenta en Hollywood nacen con lo que será la película más recordada del cineasta británico. Todo un clásico imperecedero del cine de suspense que contiene lo que probablemente sea el asesinato más famoso y repetido de toda la historia del cine con este dato a pocos cinéfilos se le escapa que estamos hablando de “Psicosis” (1960), en donde un genial Anthony Perkins, en lo que a buen seguro sea su mejor papel, interpreta a un asesino con cierto complejo edípico.

Sus siguientes aportaciones al séptimo arte vienen marcadas por la tormentosa relación iniciada con su última gran protagonista rubia. Tal es sabido la tensa relación de Hitchcock con Tippi Hedren, a la que torturaba con continuas humillaciones fruto de su obsesión por ella, que hasta en un futuro próximo será fruto de una película sobre dichos sucesos. El caso es que con Tippi, Hitchcock alcanza dos nuevos éxitos en su filmografía. Primero con “Los pájaros” (1963) otro de sus grandes clásicos, amén del terror de todo ornitólogo. En donde el desconcierto se cierne en un población ante el extraño comportamiento de las aves, una tensión que va in crescendo a  medida de que su comportamiento se convierte cada vez en más hostil hacia los humanos. En la película Bernard Herrmann, el compositor habitual de Hitchcock, ofrece toda una clase magistral de cómo utilizar la banda sonora para enfatizar la tensión.

El otro filme en cuestión es “Marnie la ladrona” (1964), en donde Tippi Hedren representa muy verazmente a un mujer marcada por angustiosos recuerdos grabados en su subconsciente que la hacen rechazar de plano la compañía masculina. Se dice que la actuación de Hedren fue tan creíble por la situación límite que estaba viviendo durante el rodaje y que continuaba la difícil relación ya iniciada en “Los pájaros”

En “Cortina rasgada” (1966), Hitchcock aprovecha la oportunidad de hacerse con los servicios de Paul Newman, por aquella el actor de moda que acumulaba un éxito tras otro en todo Hollywood. Una historia de espionaje internacional trazada con perfección en una época en donde la guerra fría estaba totalmente vigente y la lucha del los norteamericanos contra el comunismo estaba alcanzando sus cotas más importantes,

Su última aportación al cine norteamericano coincide con una de sus películas más flojas. “Topaz” (1969) sigue las directrices de su predecesora y saca a relucir el tema de espionaje y de la guerra fría, sea por repetir tema o por que el argumento no era tan sólido como el anterior el caso es que lo que a la postre sería la despedida de Hitchcock del cine norteamericano no estaría a la altura de lo que nos venía teniendo acostumbrados el mago del suspense.

Posteriormente Hitchcock vuelve a Londres, para ya en los setenta poner el epílogo a su longeva carrera con un par de obras más antes de su muerte que llega con la década de los ochenta, falleciendo un 29 de abril de 1980 en su casa de Los Ángeles tras haber sido nombrado Sir por la reina Isabel II de Inglaterra como colofón a su gran legado a la cultura no solo británica, sino mundial.

Ciudades de cine: Londres

Londres pasa por ser una de las mayores urbes del planeta así como una de las más antiguas, datando su aparición de los lejanos tiempos del imperio romano en donde establecieron un campamento denominado Londinium para poder conquistar las lejanas tierras del norte pobladas de belicosos celtas.

Datos a parte Londres es una de las ciudades más turísticas de todo el planeta, la capital del Reino Unido es un gran escaparate para millones de turistas que inundad la ciudad durante cualquier época del año. El cine es sabedor de ello y a lo largo de la historia han sido muchos los directores que se han sentido fascinados por Londres para ambientar sus historias. He aquí un compendio con las más interesantes aportaciones de Londres al séptimo arte.

Hablar de Londres es hablar de personajes como Jack el destripador, el primer gran asesino en serie, que asesinaba prostitutas en las lúgubres y neblinosas calles londinenses allá por finales de siglo XIX. Un enigmático personaje cuya turbulenta y famosa vida fue llevada al cine en varias ocasiones.

Londres también es el escenario de las brillantes deducciones de uno de lo personajes más famosos de la literatura universal. Desde el 21b de Baker Street, Sherlock Holmes combate el crimen gracias s su prodigiosa mente y a la indudable ayuda de su añorado Dr. Watson. Primero desde las novelas de Sir Arthur Conan Doyle y posteriormente desde todo tipo de series, seriales o importantes películas el brillante detective ha ido descifrando los más intrincados casos siempre con Londres como telón de fondo. Hoy en día es una figura de gran actualidad gracias a la serie de películas de Guy Ritchie y a la exitosa serie de la BBC, que están acercando el personajes a nuevas generaciones.

Otro londinense insigne como Alfred Hitchcok también incluyó a su ciudad natal en muchas de sus tramas así podemos ver el music-hall londinense de principio de siglo en “Treinta y nueve escalones” (1935) o historia de suspense que nos recuerdan al mismísimo Jack el destripador como “El enemigo de las rubias” (1927) o la posterior “Frenesí” (1972).

Hay grandes clásicos del cine ambientados en la ciudad británica como el thriller de gran éxito de Antonioni “Blow-up” (1966) o todo un tributo “The who” con “Quadrophenia” (1969), filme callejero con música del mítico grupo británico, la inolvidable "My fair lady" (1964) con un bullicioso Covent garden o incluso rebuscando hasta los más pequeños pueden disfrutar de las vista aéreas que “Mary Poppins” (1964) les ofrece de la ciudad en este clásico infantil imperecedero

Ya mucho más recientemente una nueva generación de directores británicos de éxito han fijado Londres como el escaparate de la mayoría de sus obras, así el ya citado Guy Ritchie comenzó a tener éxito internacional con películas como “Lock & Stock” (1998) o “Snatch, cerdos y diamantes” (2000), ambas retratando los bajos fondos y el crimen organizado de la capital británica o también el aclamado Winterbotton con obras como “Wonderland” (1999) o incluso obras del cine social de Ken Loach como “Riff raff” (1990) suceden en la capital del Reino Unido.

Un importante reciente fenómeno cinematográfico como es la saga de Harry Potter también tiene grandes alusiones a Londres. A parte de que todos sus fans saben que para coger el tren que lleva a Hogwarts hay que ira al misterioso andén de la londinense estación de King´s Cross se ha podido ver al joven mago con sus compañeros de andanzas hechizados por las céntricas calles londinenses.

Grandes películas de éxito, no solo del cine británico, están ambientadas en Londres. El barrio de “Notting Hill” (1999) se hizo mundialmente famoso tras la historia de amor entre Hugh Grant y Julia Roberts. Un Hugh Grant al que también veríamos enamorarse, esta vez de Andy McDowell, en la exitosa “"Cuatro bodas y un funeral” (1994) y cortejar junto a Colin Firth a una “rolliza” y divertida Bridget Jones.

Otros éxitos locales ambientados el Londres son la gran obra de Mike Leigh “Secretos y mentiras” (1996), “Un niño grande” (2002), “Love actually” (2003) toda una comedia romántica convertida ya en un clásico navideño, sin olvidarnos con la experiencia de Woody Allen con la ciudad en la reciente “Match point” (2005)

En un cajón de sastre podríamos incluir obras intimistas como “Closer” de Mike Nichols, grandes best seller como “El codigo da Vinci” (2006) de Dan Brown y llevada al cine por Ron Howard y en donde se visitan lugares tan emblemáticos como al abadía de Wenstmister o incluso una de zombies por los docklands londinenses cono en “28 días después” (2002) de Danny Boyle. Todo un compendio de ejemplo que vienen confirmando a Londres como una de los principales escenarios urbanos del cine a lo largo del planeta. 

Los pueblos precolombinos

Como siempre por estas fechas se suele hablar de regalos, reuniones familiares, árboles navideños, lotería, sin embargo este año una conversación más se une a clásico elenco de todos los años: los mayas y el hipotético fin del mundo están en boca de mucha gente, que o bien en broma o de manera algo temerosa aludo a un cercano y posible fin caótico que siga las profecías de tan antigua civilización.

Según el fiable calendario maya, bien es sabido sus altos conocimientos en astronomía y astrología de dicho pueblo, el fin del mundo tiene fecha y no es otra que el 21 de diciembre de 2012. Muchos aludimos la fecha con cierta ironía, mientras que otros la toman tan en serio que hasta la NASA recientemente ha salido a desmentir esta posibilidad, al menos físicamente hablando del “estado de salud” de nuestro planeta, dado la cantidad de llamadas y avalancha de correos a los que estaban siendo sometidos estos días por personas seriamente preocupadas por el fenómeno.

Sea o no factible bien es verdad que en unos días sabremos la verdad y todos esperamos que no sea muy parecida a como el cine, que todo lo aprovecha, ya nos pronosticó hace algunos años con la catastrófica película de Roland Emmerich “2012”, todo un experto en este tipo de subgénero tan espectacular visualmente, pero carente de toda lógica. Lejos de toda profecía bien es cierto que la polémica o curiosidad suscitada estos días por la cultura maya nos da pie a repasar a las culturas precolombinas vistas a través del cine.

MAYAS

Para ver el modo de vida de los mayas lo mejor es visionar “Los reyes del sol” (1963) de J. Lee Thompson, basada en la novela de Elliot Arnold en torno a las luchas fraternales entre las distintas tribus mayas o ya en una versión más reciente “Apocalypto” (2006) de Mel Gibson, rodada en dialecto maya, muestra con todo lujo de detalle la importancia de la muerte en la sociedad maya y los sacrificios a fin de honrar a los dioses.

Más ejemplos ambientados en el imperio maya son “Chanoc enla garra de las fieras” (1970) basado en un historieta mejicana sobre unos arqueólogos defensores de que reliquias enterradas durante siglos caigan en manos indeseadas o incluso el propio Maciste en la época álgida de los peeplum en los estudios Cinecitta de Roma tiene la oportunidad de visitar a los mayas en “Maciste el vengador de los mayas” (1965)

AZTECAS

La visión de los aztecas es más variopinta, por llamarlo de alguna manera, que la de los mayas. Primeramente nos encontramos una especie de trilogía de nacionalidad mejicana sobre momias y reencarnaciones de antiguas deidades aztecas (“La momia azteca”, “La maldición de la momia azteca” [ambas de 1957] e incluso “La momia azteca contra el robot humano” [1958])

Otro tema recurrente que como veremos después también es explotado con los incas es la búsqueda de reliquias, antiguas ciudades enterradas en la selva y riquezas de la extinta civilización como en “Lamaldición del tesoro azteca” (2008).

Quizá la mejor versión cinematográfica desde lo aztecas, en donde se intenta plasmar de una manera más o menos fidedigna su modo de vida es en “La otra conquista” (1998), película mejicana que intenta explicar lo ocurrido desde la llegada de los conquistadores españoles desde el punto de vista del oprimido, el poderoso hasta entonces pueblo azteca

Completan la selección películas de dudosa calidad, con los aztecas como telón de fondo en “La maldición del templo azteca” (1989) se los pinta como zombies antropófagos que sales de sus escondidas ciudades para atormentar a los confiados turistas o una versión aún más estrambótica en “Aztec rex” (2007), en donde los conquistadores comprueban estupefactos que uno de los dioses que adora el pueblo azteca no es ni más ni menos que un tiranosaurio que no se sabe como escapó de la extinción de sus congéneres y que comienza a sembrar el caos entre las tropas españolas.

INCAS

Hablar de los incas es hablar de la mítica ciudad fruto de la imaginación de los conquistadores el dorado. Un tema recurrente en el cine, tanto patrio con la versión de Saura en 1988, como incluso de Disney con “La ruta hacia el dorado” (2000). Sin embargo la mejor versión sobre esta mitológica ciudad  la ofrece Werner Herzog con su conocida “Aguirre cólera de Dios” (1972)

No solo los conquistadores buscaban la ciudad imaginarias sino que al igual que con todos los otros pueblos precolombinos buscaban con codicia cualquier rastro de opulencia y riqueza como bien se refleja en “El secreto de los Incas” (1954) o la posterior “El secreto del imperio de los incas” (1988), en donde incluso se aventuran dentro de un volcán con tal de conseguir su objetivo

Recientemente y sin tanto ánimo de lucro el cine de animación español obtiene un gran éxito con  “Las aventuras de Tadeo Jones” (2012) en donde una confusión lleva la persona menos adecuada a lo más profundo de la selva peruana en  la búsqueda de una mítica ciudad inca que devuelva el brillo de épocas pretéritas a una profesión como la arqueología.

 

A groso modo y sin centrarnos más en detalles vemos que el cine más que pendiente de las predicciones mayas y su rico modo de vida se interesó más en expoliarlos al igual que todos los grandes conquistadores han venido intentando a lo largo de la historia, consiguiendo transformar su modo de vida con estos pueblos y su rica cultura se han visto paulatinamente reducidos a un simple vestigio del pasado.

Kenji Mizoguchi

A Kenji Mizoguchi se le considera justamente el primero de los tres grandes directores de cine japonés de toda la historia, conjuntamente con Ozu y Kurosawa. Una especie de padre para un cine que tardó en evolucionar y ser considerado en occidente pero que gracias al trabajo de pioneros como Mizuguchi a día de hoy es una realidad.

El caso es que Mizoguchi nace poco antes de entrar en el siglo XX en Tokio, los escasos medios de los que disponía su familia y la crisis en Japón por aquellos años hicieron que su infancia estuviese sumida en la pobreza, malviviendo en superpoblados barrios de las periferias de Tokio como muchos otros jóvenes de su edad.

Su vida no era fácil tuvo que ver como su padre pagaba su frustración con malos tratos hacia su madre y como para aliviar un poco la desesperante pobreza familiar su hermana fue vendida como geisha. Desde muy pequeño empezó a trabajar como pintor sobre tela lo que con el tiempo le da la oportunidad de trabajar como publicista, oportunidad que pierde al aflorar su conciencia social, llevándolo a participar en protestas contra el opresivo régimen.

Ya aquí ya sin nada que perder decide enrolarse en la relativamente reciente industria del cine, en la que comienza como actor de poca monta para pronto comenzar a expresar sus ideas socialistas a través de este nuevo medio comenzando su carrera de director. Corre el año 1922.

El trabajo de Mizoguchi se vuelve frenético, adapta montones de obras, muchas de autores occidentales que a el le fascinan. Se calcula que en sus primeros veinte años de trabajo llega a rodar casi cien obras, y decimos que se calcula porque la llegada de la segunda guerra mundial en la que Japón participa de manera activa borra para siempre su obra hasta aquel momento, no quedando nada más que algún retazo y muchos recuerdos.

Una de las obra que pervive y que hasta el mismo autor la considera como su gran ópera prima es una historia sobre geishas, en donde vemos una importante influencia personal, de título “Las hermanas de Gion” (1936) en lo que sería considerada como su primera gran aportación al cine.

La fama de Mizoguchi sigue en aumento y su cine social es cada vez más reconocido, a esta primera gran obra la suceden otras como “Elegía de Naniwa”, del mismo año o “El valle del amor y la tristeza” (1937) obras que son antecesoras de su gran espaldarazo definitivo que lo consagrará definitivamente con su primera gran obra maestra. Con “Historia de los crisantemos tardíos” (1938) confecciona un perfecto drama romántico de más de dos horas de duración que aún hoy en día resulta todo un ejemplo de cómo componer una historia.

Después llegaría la guerra y Mizoguchi sabedor que su fama de socialista no le ayudará demasiado decide adaptarse a los tiempos para salvaguardar su trabajo y su obra y decide colaborar con el régimen en una serie de películas destinadas a levantar el ánimo del oprimido pueblo japonés. De esta época datan obras influenciadas con el sanbara, o cine de samuráis, que resaltaban la importancia del honor de un pueblo que desde siempre ha sido cuna de grandes guerreros. Obras como “Los 47 samurais” (1941), “Miyamoto Musashi” (1944) o “La espada bijomaru” (1945) viene a incrementar su filmografía durante estas difíciles fechas.

Pasada la guerra su obra sigue por los mismos derroteros: historias de marcado carácter social, centradas muchas de ellas en los bajos fondos de la sociedad nipona. Citamos a “Mujeres de la noche” (1947), “El destino de la señora Yuki” (1950) o “La dama de Musashino” (1951) por reflejar fielmente estas ideas.

Y en 1952 es cuando llega su espaldarazo internacional. Un occidente que gracias a la aparición de Kurosawa miraba cada vez más a oriente se encuentra con “Vida de Oharu, la mujer galante”, que es muy bien acogida por la crítica y por medio de la cual occidente conoce por fin a uno de las mayores figuras de cine japonés.

Sus siguientes obras serán de las más recordadas del autor y convierte a la década de los cincuenta en su época más productiva, no en cuanto a cantidad, sino en cuanto a calidad, puesto que cada obra que iba saliendo de sus manos era altamente considerada y su éxito no dejaba de crecer junto al de Ozu y Kurosawa, hasta llegar a tener la consideración que hoy en día se tiene por este tridente, no solo a nivel nacional, en donde son considerados poco más que héroes, sino en la evolución de la historia del cine mundial.

La lista continúa con “Los músicos de Gion” (1953), otro drama del Japón feudal, pero sobre todo con la que se considera una de las obras claves de la historia del cine: “Cuentos de la luna pálida de agosto” (1953), largo y curioso título para la que a la postre fue su película más premiada y quizá la que mas asociamos a la memoria del director, junto a “Vida de Oharu”.

Su siguiente obra también le reporta un gran éxito y puede verse en incontables listas de películas recomendables o ranking históricos de los mejores filmes jamás rodados. “El intendente Sansho” (1954) es la adaptación de un viejo cuento feudal japonés sobre la lucha desigual lucha de clases y el sistema de castas oriental.

Sus dos últimas obras de gran calado son “Los amantes crucificados” (1954), famosa obra del kabuki (teatro japonés) considerada como el Romeo y Julieta oriental y “La mujer crucificada”, del mismo año, en donde Mizoguchi vuelve al mundo de las geishas tan recurrente a lo largo de su obra.

Su aportación al cine sin embargo no finaliza en 1954 sino dos años más tarde, período en el que la da tiempo a rodar tres películas más que a la postre serían una especie de epílogo de su obra, aunque el culmen de la misma ya había queda atrás con la referidas obras de 1954. Con “La calle dela vergüenza” (1956) Mizoguchi finalizaba su excelente obra con un retrato de la vida cotidiana de los bajos fondos del Japón de la época. En ese año una leucemia acababa repentinamente con su vida privándonos de a lo que a buen seguro sería un legado aún más impresionante de poder continuar llevando a cabo su sueño de plasmar sus ideas y su forma de ver la vida en este medio que tanto le aportó.